Quinto Sector
Quinto Sector
El trabajo de Ruben Einsmann se sitúa en el cruce entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo sagrado y lo profano. Su obra deambula entre distintos lenguajes para explorar cómo las imágenes sobreviven al paso del tiempo. En algunas de sus pinturas trabaja sobre la iconografía medieval, pero desde una visión contemporánea, donde la persistencia y la transformación de las imágenes son centrales.
Einsmann siente atracción por las huellas que el tiempo va dejando en las superficies, y la pintura pasa a ser algo así como un medio para dejar testimonio de la historia. La pátina de sus cuadros recuerda a frescos descascarándose, grafitis borroneados o manuscritos antiguos cuyas ilustraciones han ido desvaneciéndose. Cada pieza parece referir a una historia interrumpida, donde la memoria y el olvido luchan por sobrepasarse.
Su método consiste en aplicar capas de pintura y erosionarlas controladamente, generando efectos de transparencia que evocan tanto el paso del tiempo, como la fragilidad del recuerdo. Sus inspiraciones van desde los murales románicos y el Tapiz de Bayeux; de ese modo, Einsmann genera una narrativa visual en la que confluyen lo religioso, lo político y lo social.
La experiencia abismante de ver capas de imágenes nos recuerda al palimpsesto, es decir, un manuscrito que mantiene las huellas de un escrito previo y que ha sido borrado para ser nuevamente utilizado. Este fenómeno típico del medievo es también algo que vincula a Einsmann con el pasado, con su reescritura permanente y la condición de espectador que adquiere el sujeto contemporáneo frente a los hechos históricos. Así como vemos un fresco, una iluminación o un altar, vemos también las transformaciones del mundo actual. Quizá lo distinto es que el artista -al citar una estética antigua- nos recuerda que podemos también ser espectadores calmos, menos exigidos por el frenesí contemporáneo.
El trabajo del pintor aquí es también singular, ya que encuentra vínculos con el graffiti que es de algún modo, la forma popular que ha adquirido la pintura en el mundo actual. No quiero aquí entrar en debates sobre la alta y baja cultura, sin embargo, es importante reivindicar el aspecto de “arte popular” que tiene dicha forma de trabajo, ya que ha determinado también formas de proceder en el lienzo, que a diferencia del muro, tiende a la permanencia y la contemplación estética. Las dimensiones, la falta de boceto previo y de caballete son quizá las marcas más claras de esta aproximación distinta a la pintura.
En un mundo donde la realidad se siente fragmentaria y difícil de comprender, la obra de Einsmann nos invita a cuestionar nuestra relación con el tiempo y con la memoria colectiva. Su trabajo nos confronta con la paradoja de la imagen contemporánea: se produce masivamente y para ser consumida de manera instantánea, sin embargo, por su propia ubicuidad, queda grabada en nuestras retinas. Sus imágenes son entonces como fantasías de un futuro distante, cuando los logos contemporáneos adquieran tanta pátina que comiencen a parecer imágenes nobles y con densidad.
Finalmente, su trabajo nos recuerda que la historia no es un archivo fijo, sino un espacio en permanente transformación donde el presente es interrogado por el pasado y su fuerza interpelante. Podríamos decir que la eternidad propia de lo antiguo adquiere aquí un sentido transformador y no anquilosante. Cada obra que vemos es una invitación a mirar de un modo distinto, a recuperar quizá alguna metafísica ya perdida en el arte contemporáneo y dar paso a otras formas de experimentar la visualidad contemporánea.
Diego Parra Donoso
Curador
El trabajo de Ruben Einsmann se sitúa en el cruce entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo sagrado y lo profano. Su obra deambula entre distintos lenguajes para explorar cómo las imágenes sobreviven al paso del tiempo. En algunas de sus pinturas trabaja sobre la iconografía medieval, pero desde una visión contemporánea, donde la persistencia y la transformación de las imágenes son centrales.
Einsmann siente atracción por las huellas que el tiempo va dejando en las superficies, y la pintura pasa a ser algo así como un medio para dejar testimonio de la historia. La pátina de sus cuadros recuerda a frescos descascarándose, grafitis borroneados o manuscritos antiguos cuyas ilustraciones han ido desvaneciéndose. Cada pieza parece referir a una historia interrumpida, donde la memoria y el olvido luchan por sobrepasarse.
Su método consiste en aplicar capas de pintura y erosionarlas controladamente, generando efectos de transparencia que evocan tanto el paso del tiempo, como la fragilidad del recuerdo. Sus inspiraciones van desde los murales románicos y el Tapiz de Bayeux; de ese modo, Einsmann genera una narrativa visual en la que confluyen lo religioso, lo político y lo social.
La experiencia abismante de ver capas de imágenes nos recuerda al palimpsesto, es decir, un manuscrito que mantiene las huellas de un escrito previo y que ha sido borrado para ser nuevamente utilizado. Este fenómeno típico del medievo es también algo que vincula a Einsmann con el pasado, con su reescritura permanente y la condición de espectador que adquiere el sujeto contemporáneo frente a los hechos históricos. Así como vemos un fresco, una iluminación o un altar, vemos también las transformaciones del mundo actual. Quizá lo distinto es que el artista -al citar una estética antigua- nos recuerda que podemos también ser espectadores calmos, menos exigidos por el frenesí contemporáneo.
El trabajo del pintor aquí es también singular, ya que encuentra vínculos con el graffiti que es de algún modo, la forma popular que ha adquirido la pintura en el mundo actual. No quiero aquí entrar en debates sobre la alta y baja cultura, sin embargo, es importante reivindicar el aspecto de “arte popular” que tiene dicha forma de trabajo, ya que ha determinado también formas de proceder en el lienzo, que a diferencia del muro, tiende a la permanencia y la contemplación estética. Las dimensiones, la falta de boceto previo y de caballete son quizá las marcas más claras de esta aproximación distinta a la pintura.
En un mundo donde la realidad se siente fragmentaria y difícil de comprender, la obra de Einsmann nos invita a cuestionar nuestra relación con el tiempo y con la memoria colectiva. Su trabajo nos confronta con la paradoja de la imagen contemporánea: se produce masivamente y para ser consumida de manera instantánea, sin embargo, por su propia ubicuidad, queda grabada en nuestras retinas. Sus imágenes son entonces como fantasías de un futuro distante, cuando los logos contemporáneos adquieran tanta pátina que comiencen a parecer imágenes nobles y con densidad.
Finalmente, su trabajo nos recuerda que la historia no es un archivo fijo, sino un espacio en permanente transformación donde el presente es interrogado por el pasado y su fuerza interpelante. Podríamos decir que la eternidad propia de lo antiguo adquiere aquí un sentido transformador y no anquilosante. Cada obra que vemos es una invitación a mirar de un modo distinto, a recuperar quizá alguna metafísica ya perdida en el arte contemporáneo y dar paso a otras formas de experimentar la visualidad contemporánea.
Diego Parra Donoso
Curador
Fifth Sector
Ruben Einsmann’s work is situated at the crossroads between the ancient and the contemporary, the sacred and the profane. His practice drifts through various visual languages to explore how images endure over time. In some of his paintings, he draws from medieval iconography, but from a contemporary lens—where the persistence and transformation of images are central concerns.
Einsmann is drawn to the traces time leaves on surfaces, and painting becomes a medium for bearing witness to history. The patina of his works recalls crumbling frescoes, blurred graffiti, or ancient manuscripts whose illustrations have faded over centuries. Each piece seems to allude to an interrupted story, where memory and oblivion struggle to outlast one another.
His method consists of layering paint and then eroding it in a controlled manner, generating transparency effects that evoke both the passage of time and the fragility of memory. His inspirations range from Romanesque murals to the Bayeux Tapestry. Through this, Einsmann constructs a visual narrative in which the religious, the political, and the social intersect.
The overwhelming experience of seeing layers of imagery brings to mind the palimpsest—a manuscript that preserves traces of previous writing, erased to make room for new use. This medieval phenomenon also links Einsmann to the past, to its ongoing rewriting, and to the role of the contemporary subject as a spectator of historical events. Just as we view a fresco, an illumination, or an altar, we are also witnessing the transformations of the current world. Perhaps what is different here is that, by referencing an ancient aesthetic, the artist reminds us that we too can be calm spectators—less driven by the frenzy of contemporary life.
The artist’s approach to painting is also unique in that it resonates with graffiti—arguably the popular form that painting has taken on in today’s world. Without diving into debates on high and low culture, it is important to reclaim the “folk art” aspect of this practice. It has shaped ways of working on the canvas, which—unlike the wall—leans toward permanence and aesthetic contemplation. The scale, the absence of preliminary sketches, and the lack of an easel are perhaps the clearest markers of this distinct approach to painting.
In a world where reality feels fragmented and hard to grasp, Einsmann’s work invites us to question our relationship with time and collective memory. His work confronts us with the paradox of the contemporary image: it is mass-produced and consumed instantaneously, yet through its ubiquity, it becomes etched in our minds. His images are like visions from a distant future, when contemporary logos have accumulated so much patina that they begin to resemble noble, weighty relics.
Ultimately, his work reminds us that history is not a fixed archive, but a space in constant transformation, where the present is interrogated by the past and its enduring force. We might say that the timelessness of the ancient gains here a transformative, rather than stagnant, meaning. Each piece we encounter is an invitation to see differently—to recover, perhaps, a metaphysical dimension lost in contemporary art, and to open ourselves to new ways of experiencing visuality today.
Diego Parra Donoso
Curator
Ruben Einsmann’s work is situated at the crossroads between the ancient and the contemporary, the sacred and the profane. His practice drifts through various visual languages to explore how images endure over time. In some of his paintings, he draws from medieval iconography, but from a contemporary lens—where the persistence and transformation of images are central concerns.
Einsmann is drawn to the traces time leaves on surfaces, and painting becomes a medium for bearing witness to history. The patina of his works recalls crumbling frescoes, blurred graffiti, or ancient manuscripts whose illustrations have faded over centuries. Each piece seems to allude to an interrupted story, where memory and oblivion struggle to outlast one another.
His method consists of layering paint and then eroding it in a controlled manner, generating transparency effects that evoke both the passage of time and the fragility of memory. His inspirations range from Romanesque murals to the Bayeux Tapestry. Through this, Einsmann constructs a visual narrative in which the religious, the political, and the social intersect.
The overwhelming experience of seeing layers of imagery brings to mind the palimpsest—a manuscript that preserves traces of previous writing, erased to make room for new use. This medieval phenomenon also links Einsmann to the past, to its ongoing rewriting, and to the role of the contemporary subject as a spectator of historical events. Just as we view a fresco, an illumination, or an altar, we are also witnessing the transformations of the current world. Perhaps what is different here is that, by referencing an ancient aesthetic, the artist reminds us that we too can be calm spectators—less driven by the frenzy of contemporary life.
The artist’s approach to painting is also unique in that it resonates with graffiti—arguably the popular form that painting has taken on in today’s world. Without diving into debates on high and low culture, it is important to reclaim the “folk art” aspect of this practice. It has shaped ways of working on the canvas, which—unlike the wall—leans toward permanence and aesthetic contemplation. The scale, the absence of preliminary sketches, and the lack of an easel are perhaps the clearest markers of this distinct approach to painting.
In a world where reality feels fragmented and hard to grasp, Einsmann’s work invites us to question our relationship with time and collective memory. His work confronts us with the paradox of the contemporary image: it is mass-produced and consumed instantaneously, yet through its ubiquity, it becomes etched in our minds. His images are like visions from a distant future, when contemporary logos have accumulated so much patina that they begin to resemble noble, weighty relics.
Ultimately, his work reminds us that history is not a fixed archive, but a space in constant transformation, where the present is interrogated by the past and its enduring force. We might say that the timelessness of the ancient gains here a transformative, rather than stagnant, meaning. Each piece we encounter is an invitation to see differently—to recover, perhaps, a metaphysical dimension lost in contemporary art, and to open ourselves to new ways of experiencing visuality today.
Diego Parra Donoso
Curator